L'inizio degli anni 1880, quando era nella suo metà degli anni trenta, Paul Gauguin ha deciso di dedicarsi alla pittura a tempo pieno. Dopo alcune opere giovanili che emulato gli stili degli artisti come Corot e gli impressionisti, nel 1886 ha rotto dalla copia di altri artisti. Durante questo momento cruciale, all'inizio della sua carriera di pittore, Gauguin ha cominciato a sviluppare il suo stile di firma – uno stile pieno di blocchi di colore luminoso che divenne noto come simbolismo.
"La visione dopo il sermone, la lotta di Giacobbe con l'angelo" (1888)
Uno dei primi quadri simbolisti di Gauguin, "La visione dopo il sermone," raffigura un gruppo di donne bretoni guardando un uomo alle prese con un angelo. Nelle prime opere come questa, Gauguin crea un collegamento simbolico tra emozione e colore. In questo caso, brillanti colori vivaci, che rappresenta la purezza e la divinità sono impostate contro toni scuri, triste, che rappresenta l'imperfezione terrena dell'uomo. Colore funziona anche simbolicamente come un dispositivo di separazione. Le donne e il wrestler sono fusi in immagini scure del netto bianco e nero, impostare contro il terreno di wrestling di rosso brillante e l'angelo in giallo brillante blu e vibrante. La gente comune, in questa immagine, sono triste e semplice nel colore, mentre il terreno misticamente significativo e Angelo vibrare con colore luminoso.
"Arlesiennes (Mistral)" (1888)
Gauguin trascorse parte alla fine del 1880, gli anni formativi della sue opere simboliste, vivere e lavorare con Vincent Van Gogh ad Arles. Entrambi erano sperimentando il valore simbolico della composizione e del colore. Mentre viveva lì, Gauguin dipinto "Arlesiennes (Mistral)." Questo dipinto documenta uso di Gauguin di composizione – il posizionamento degli oggetti nella pittura – come un dispositivo simbolico. Ha ricreato la scena all'esterno della casa che ha condiviso con Van Gogh, alterando e semplificando i dettagli per creare una versione simbolica, astratta della località. Pile di fieno diventano coni gialli e le donne nella foto simbolicamente sono protetti dal vento o dal mistral prossimi da bush torreggianti e rete fissa rossa brillante davanti a loro.
"Autoritratto con un alone" (1889)
Dal 1889, in "Autoritratto con un alone," uso di Gauguin del colore come simbolo aveva esteso a diventare una rappresentazione esterna di stati emotivi interni. Questa pittura non sembrano essere situati in qualsiasi luogo specifico, ma è impostata su uno sfondo nettamente diviso tra giallo e rosso. Il contrasto di questi due colori rappresenta il conflitto interno di Gauguin tra bene e male e vita e morte. Il dilemma religioso suggerito da questo conflitto ulteriormente è esposta dalla collocazione di un'aureola sopra la testa di Gauguin, mentre, allo stesso tempo, ha conseguito un serpente, simbolo del diavolo dentro il biblico giardino di Eden. Il giardino è ulteriormente simboleggiato dalle mele che pende da un ramo nell'immagine.
"Il Cristo giallo" (1889)
Questo dipinto è noto per l'incongruenza del posizionamento del Cristo crocifisso in un paesaggio bretone molto realistico, compianto da donne in bretone tradizionale vestito raggruppato sotto la croce. Mentre il Cristo è raffigurato in un tono di giallo che lo spinge a fondersi con le colline gialle dello sfondo, le donne si inginocchiano sotto, stoici figure del bianco e nero. Dipingendo la figura di figura di Cristo come un aspetto piuttosto malaticcio giallo che imita il paesaggio, Gauguin strisce la crocifissione del suo romanticismo, la ripetizione del colore tra il Cristo e il paesaggio provocando lo spettatore a riconsiderare questa immagine spesso dipinti in una luce nuova e più emotivamente sconvolgente. Questa innovazione sembra essere perso sulle donne convenzionale nella pittura, cui immagini statiche, bianchi e nero simboleggiano la percezione immutabile della religione cristiana convenzionale.